Conferencias de la Cátedra del Prado: "Las escalas de la pintura europea
Noviembre de 2023"
Alexander Nagel
La escala –no el tamaño de las cosas, sino la sensación del espectador al percibir el tamaño– es un aspecto fundamental de la relación entre la persona y la obra de arte. En el caso de la pintura, la escala es el medio principal por el que los mundos representados concurren con la vivencia del espectador, sugiriendo las posibles nuevas configuraciones que se podrían dar entre las relaciones sociales, políticas y medioambientales. Durante los tres siglos que van de 1300 hasta 1600, la pintura europea se fue reinventado de manera impresionante: aparecieron nuevas categorías pictóricas, nuevas funciones para el dibujo, nuevas maneras de reproducir imágenes a diferentes tamaños, nuevas técnicas y soportes pictóricos, y nuevos sistemas para idear y plasmar el espacio virtual. Estos desarrollos, que florecieron a medida que los pintores intentaban encajar las nuevas modalidades de pintura tanto con sus espectadores como con los entornos reales a los que atendían, dieron lugar a una experimentación continua con la escala.
Estos problemas nos resultan familiares hoy en día: nos peleamos por ordenar nuestra inmersión mediada por los más diversos dispositivos de imágenes pequeñas –móviles, tablets, ordenadores– en lo que ahora llamamos nuestra “vida real”. Las conferencias que componen este ciclo parten de la premisa de que estos problemas, los de la interferencia de la escala –lo que podría significar vivir a escala y a la vez fuera de escala de nuestras imágenes– no son nuevos. Después de Giotto, la pintura en Occidente se entregó a una serie de experimentos con la escala, una larga historia de adaptaciones y acomodos dentro de los cuadros, y también se volcó en una cadena de esfuerzos que intentaban gestionar la relación entre los espacios virtuales de las obras y los espacios reales que ocupaban sus espectadores. Este es el pasado de nuestros esfuerzos presentes por gestionar la relación que une a nuestras imágenes y a nuestros dispositivos con nuestras vidas. Durante el siglo XVI se manifestó el empeño de presentar las figuras a “escala natural”, con muy profundas consecuencias para la historia de la pintura europea.
"Reinvenciones de la escala en la pintura europea temprana"
A partir del siglo XIII los formatos pictóricos evolucionaron considerablemente, planteando una gestión activa del problema de la escala, un asunto poco estudiado en el campo de la historia del arte. El retablo pintado es una novedad que surge en el siglo XIII y toma fuerza en el XIV; la imagen devocional para uso doméstico o durante viajes surge en el siglo XIV; los cuadros de gabinete surgen en el siglo XV; y la pintura de caballete sobre lienzo, que llegaría a convertirse en el cuadro de galería, surge en el siglo XVI, y de hecho fue el formato establecido para la pintura durante los cuatro siglos siguientes. A medida que surgían cada uno de estos formatos, lo hacían también interrogantes: ¿Qué tamaño deben tener las figuras? ¿Cómo se articulan las figuras de diferentes tamaños en relación con los formatos de los cuadros y los paisajes y ambientes representados? ¿Cómo afectan todas estas decisiones a la relación que existe entre el cuadro y el entorno para el que se ha ideado? Querríamos responder a estas preguntas por medio del análisis de varias representaciones del momento de la Anunciación de la Virgen, entre ellas los cuadros de Robert Campin y Fra Angelico, conservados en el Museo del Prado. Esta conferencia introduce la idea de la “escalabilidad”, o cómo los dibujos permitían transferir fórmulas iconográficas o composiciones específicas de un soporte a otro, y de un tamaño a otro, como se aprecia en varias obras de Rogier van der Weyden y sus discípulos. La conferencia también plantea la dependencia de la Historia del Arte como disciplina de la fotografía, dependencia que, en gran medida, dejó de lado la consideración de las cuestiones de escala.
Visita: www.museodelprado.es
| Licenza: © all rights reserved
